【编者按】 当前文艺创作领域，“爆款”作品备受关注，不少文艺工作者将提升传播度、打造受群众喜爱的“爆款”作为创作追求。但部分创作者盲目追求“爆款”，将“上热搜”作为第一目标，创作时围绕流量热点设计内容，传播中刻意制造“名场面”博取关注，甚至出现花钱买榜、数据造假、话题低俗等问题，极易导致作品流于元素堆砌，从而消解其内在逻辑与思想深度，影响其社会效益及价值引导作用的发挥。本期特推出文艺创作“爆款”现象审思专题，约请多位专家学者聚焦这一热点现象，剖析其中的发展趋势、存在问题及解决方法，我们期待，通过观点、态度的碰撞与争鸣，对这一热点现象作出多视角解读与深入探讨，进一步引导文艺工作者坚守初心，平衡艺术专业性与作品传播度，创作出更多文质兼美、广受欢迎的优秀作品。

流量逻辑下的文艺生态异化与数字人文出路

【内容摘要】 在注意力经济持续强化、网络情绪高度可见的当下，文艺创作的传播渠道和媒介形态正在发生变化，深刻影响了创作者与评价者的基本心态。为了在信息高度拥挤的空间中获得曝光，内容生产逐渐承受来自流量分配机制的持续压力，原本围绕审美判断与思想表达展开的创作逻辑，开始日益向以点击率、转发量和平台算法为中心的运作方式倾斜。一系列问题在这一背景下逐步显现：算法所构建的信息分发环境，使审美经验在不断被重复和强化的过程中趋于单一；创作与接受两端的同质化倾向日益明显。围绕当下文艺生态中普遍存在的“流量焦虑”与价值判断模糊的问题，需要从数字人文的视角加以回应。

【关 键 词】 注意力经济 算法推荐 文艺生态 数字人文

我们正处于一个被数据深度量化的时代。

回顾文艺发展的历史脉络，无论是在以印刷为主导的时代，还是在广播电视逐步普及的阶段，内容生产始终与媒介条件相互制约，却并未完全丧失自身的审美自主性。创作者固然需要回应传播环境的变化，但作品意义的生成仍主要依托于艺术内部的表达逻辑与价值追求。这一状况在算法推荐技术全面介入之后发生了明显转变。作品开始被拆解为可计算、可预测、可优化的数据对象，其被观看、被传播的效率，往往先于其思想内容进入评价体系。在这种机制中，技术理性不再只是辅助性的工具，而逐渐成为主导内容命运的重要力量。正如法兰克福学派曾经指出的那样，当文化生产被高度制度化并纳入工业流程，其结果往往是意义层面的退缩与形式层面的重复。进入数字平台主导的阶段之后，这种担忧并未减弱，反而在算法与代码的加持下，呈现出新的形态。

如今打开各类社交媒体与内容平台，热搜榜单的更迭构成了公众注意力的风向标。在影视与文学产业的决策上，“完播率”“拉新数”与“话题贡献度”等量化指标，正逐渐取代人物塑造、叙事深度与美学风格等评价标准，成为评估项目价值的核心依据。“爆款”一词，本应是对作品广受大众喜爱这一“结果”的描述，如今却异化为创作初始阶段就必须设定的“目的”。

我们不能否认“爆款”本身具有的正面价值。无论是故宫文创长期的品牌积淀，还是淄博烧烤中蕴含的社会情绪共鸣，抑或是Z世代在新潮消费中展现的活力，都证明了优质内容与时代情绪结合时产生的巨大能量。在5G时代与移动互联网高度普及的背景下，数以亿计的用户卷入文化消费的浪潮，客观上为文化产业的繁荣提供了土壤。然而，当追求“爆款”成为一种行业性的焦虑乃至唯一法则时，文艺创作便发生了质变。为了在信息流中截获流量，部分创作者和机构开始采取一种“工业化投机”策略：它不再基于创作者对世界的独特生命体验，不再致力于人性的深层探索，而是演变成了对算法规则的迎合与对网络情绪的简单挑逗。

当创作被困在热搜的逻辑里，文学与艺术的独立性何以保全？那些不仅仅为了“被看见”，更是为了“被铭记”的作品，在算法与资本的双重夹击下，究竟该通过何种路径重获尊严？

一、工业化投机下的创作异化：逻辑断裂与审美失语

在较长一段时间内，文艺创作始终强调个体经验的独特性，以及作品在反复打磨中形成的艺术完成度。与之相比，当下围绕“爆款”展开的内容生产，更接近一种高度流程化的运作方式。创作不再从经验和感受出发，而是被拆分为若干可复制、可执行的步骤，逐步嵌入资本运作与平台机制之中。近期业内围绕“预制爆剧”展开的讨论，正是这一变化被集中放大的结果。资本投放、算法干预与标准化营销协同运作，在短时间内制造出显眼的热度指标，却难以转化为稳定而持久的观众认同，其呈现出的更像是一种由工业机制支撑的热闹景观。

(一)算法导向下的拼贴叙事

在以流量表现为核心的评价体系中，剧本创作的出发点已经发生明显转移。创作过程中对现实生活的观察与提炼越来越少，而更多地围绕数据反馈展开推演。围绕平台算法和用户行为分析，行业内部逐渐形成了一套相对固定的操作路径：开篇需要迅速设置强烈冲突，以延缓观众流失；情节点被有意设计为便于截取和二次传播的片段；人物形象则倾向于采用高度标签化的方式，通过性格极端化和立场对立，引发社交平台上的讨论与分化。作品整体的内在逻辑往往被切割为若干功能性模块，情节之间更多体现为拼接关系，而非有机展开。叙事的完整性和人物的成长线索，容易在不断追逐“高光时刻”的过程中被削弱，最终导致作品呈现出节奏密集却缺乏纵深的特征。

这种创作范式符合日本学者东浩纪所提出的“数据库消费”。当下的剧本生产仿佛是在一个巨大的数据库中抓取元素：“霸道总裁”“复仇爽文”“追妻火葬场”等成为可随意调用的模块。创作者不再致力于构建一个具有完整因果逻辑和复杂人性深度的大叙事，而是将重点放在了如何将这些高刺激度的萌点或爽点进行排列组合。这种碎片化的叙事策略，虽然在短视频切片中极具吸引力，但还原到长视频的语境中，便呈现出情节割裂、人物动机单薄的结构性硬伤。

这种以热搜为导向的倒推式创作，直接导致了作品内部逻辑的断裂。许多作品呈现出明显的“拼贴”特征，为了迎合算法抓取，强行将原生家庭、女性独立、悬疑复仇等热门网络话题塞入同一叙事框架。这些标签之间缺乏有机的内在联系，人物行为前后矛盾，剧情转折生硬。为了制造所谓的高能反转，部分改编剧甚至背离原著精神，通过制造极端的对立来刺激观众的神经。

创作者在实际决策中面临的关注重点也随着这一运作逻辑的持续强化而发生变化。选题和表达越来越多地围绕“哪些元素更容易被放大”“哪些话题更可能进入推荐池”展开，而对内容本身的深入构思则被不断压缩。网络流行语和热门梗被频繁调用，成为快速建立熟悉感和辨识度的工具。这类做法在短时间内确实有助于提高作品的可见度，但随之而来的问题也十分明显：情节缺乏展开空间，讨论往往停留在表层，作品难以形成持续发酵的文化意义，更难以进入长期传播和反复解读的轨道。

(二)“流量中心制”与表演艺术的边缘化

与叙事结构的碎片化相互呼应的是选角机制中对流量指标的高度依赖。在实际运作中，部分投资方将艺人的数据表现视为风险评估的重要依据，认为高热度就意味着市场安全。这种判断方式，使演员的网络影响力在不少项目中被置于创作考量的优先位置，作品整体的艺术构想反而退居其后。

在具体执行层面，这一模式并不总能如预期运转。一些拥有庞大粉丝群体的艺人，确实能够通过集中应援、数据维护等方式迅速推高互动指标，但这些数字并不必然转化为表演层面的支撑力。当角色需要更复杂的情感层次或人物成长线时，创作团队往往不得不围绕演员的既有形象进行调整。由此产生的结果是剧本结构被迫修改，配角空间被压缩，叙事重心向单一人物倾斜，形成以维护“可控形象”为目标的创作策略。这类操作在短期内或许能够维持热度，却容易削弱作品整体的艺术完成度。

当角色沦为流量明星展示“人设”的载体时，表演艺术本身的感染力便被稀释。数字后期技术的滥用也加剧了表演的异化。为了掩盖流量艺人演技的匮乏或档期的不足，大量剧组过度依赖配音来赋予角色情感，利用高强度的滤镜和磨皮技术来维护艺人的“颜值安全感”，甚至滥用绿幕抠图来解决无法实景拍摄的问题。这种技术代偿机制，使得屏幕上的角色变成了一种视觉符号的拼贴，而非有血有肉的人，表演艺术中最重要的身体性、在场感与微表情的微妙传达，统统被技术抹平。这种创作模式下生产的作品，虽然可能在单一平台上数据亮眼，却难以在更广泛的大众层面实现穿透，导致“粉丝狂欢，大众冷漠”的文化隔阂。

(三)IP开发的短视与数据循环下的创作趋同

在“爆款”预期持续放大的背景下，IP 储备与改编逐渐被视为降低风险的重要路径。对部分投资方而言，已经在网络文学平台上积累读者基础的作品，被认为具备天然的关注度优势，将其转化为影视文本似乎更加稳妥。然而，在实际操作中，这种策略往往简化为对知名度的直接借用，而非对文本价值的深入转化。

不少改编作品在处理原著时，更关注其外在标签和类型特征，而较少回应其叙事内核与情感结构。为了适应快节奏的消费环境和既定的类型期待，不少作品在制作过程中常常对原著内容进行大幅压缩，细腻的心理描写和复杂的价值表达被削弱，叙事被重构为高度模式化的情节组合。这种处理方式虽然在形式上完成了改编，却难以延续原有作品所积累的审美厚度，也容易使观众的接受体验停留在类型重复之中。

这种以安全复制为导向的创作策略，在推荐算法的数据反馈机制中被进一步放大。在推荐体系中，数据反馈具有明显的放大特征：当某类题材或叙事方式在短时间内获得较高关注，相应信号便会在分发层面被反复强化，从而引导更多相似内容进入生产环节。推荐结果与市场投入互补，平台更愿意继续推送已被证明有效的内容，制作方也更愿意沿着已有样本加码。从甜宠叙事到仙侠设定，特定题材在一段时间内频繁出现于主流平台，创作决策往往围绕已有成功样本展开，超出既有框架的尝试则面临更高的不确定性。

从产业运作的角度来看，对IP的集中依赖，与当前影视制作成本上升和市场不确定性增强密切相关。在风险压力之下，投资方更倾向于选择已经拥有稳定读者规模的文本，以此作为决策依据。然而，这种判断忽略了文字媒介与视听媒介在表达方式上的差异，也低估了受众审美趣味更新的速度。当改编策略长期停留在“安全复制”层面，市场中便容易出现题材集中、结构相似的作品，创新空间随之被压缩。其结果不仅体现为资源配置效率的下降，也逐渐削弱了行业对新表达方式的探索能力。

二、生态的异化：“人设”僭越与评价体系的失衡

围绕“爆款”形成的压力，不仅存在于具体作品的生产过程，还进一步影响着文艺创作的整体生态。随着流量指标在评价体系中的权重不断上升，创作主体的角色定位与行业内部的价值判断标准，均在发生微妙而持续的变化。

(一)创作者的“网红化”生存与身份焦虑

从创作规律来看，文学艺术往往需要相对稳定的时间投入和独立思考空间。然而，在出版渠道变化和注意力竞争加剧的双重作用下，作家的生存方式正面临新的调整压力。社交媒体的高度可见性，使创作者不仅被期待提供作品，也被不断要求参与话题制造、形象经营与即时互动。在这一过程中，创作本身与个人展示之间的边界变得模糊，作家的身份逐渐被纳入平台逻辑与流量机制之中。

根据行业观察，出版资源正日益向自带流量的“网红作者”倾斜。为了适应算法分发机制，部分写作者被迫将精力从文本打磨转移到个人IP的经营上。不仅直播带货成为常态，更出现了本末倒置的“苦难营销”现象：个别素人作者通过在短视频平台展示悲惨经历获取关注，其作品的文学性反倒退居其次。这种逻辑下，公众的消费对象从“书籍文本”异化为“作者的人设故事”，文学出版甚至面临被简化为流量变现工具的风险。MCN(多频道网络)机构的运作模式正在向文学领域渗透。传统的编辑与作者的关系，正在演变为经纪人与艺人的关系。部分出版机构在选题策划阶段，首先考量的不再是稿件的质量，而是作者自带的社交媒体粉丝数(KOL属性)。这种倒逼机制迫使大量青年作家在尚未形成成熟风格之前，就必须先学会如何在社交平台上“经营人设”。当“流量”成为文学入场券，那些性格内向、不善言辞但才华横溢的作者，往往面临被市场边缘化的困境。

这种趋势对创作生态构成了潜在威胁。真正的文学创作需要的是“板凳坐得十年冷”的定力，需要与喧嚣保持距离，而流量逻辑要求的是“语不惊人死不休”的瞬时爆发，要求创作者必须时刻处于“在线”和“展示”的状态。当作家忙着在社交媒体上经营“段子手”或“情感导师”的人设，忙着回应粉丝的互动，甚至为了迎合受众而调整创作方向时，他还有多少时间去凝视内心、去打磨文字？当“人设”的光芒盖过了作品本身，这究竟是文学的幸事，还是悲哀？

(二)推荐机制与受众接受方式的变化

平台资本主义运作的核心，在于建立一套基于用户行为数据的预测模型。通过对浏览痕迹、完播率及交互行为的穷尽式捕捉，算法为每个用户编织了一个封闭的兴趣茧房。这种基于相似性的分发逻辑，看似降低了用户的信息筛选成本，实则从根本上改写了内容的触达机制。

在存量竞争的背景下，为了争夺用户有限的注意力资源，算法天然倾向于赋予那些情绪颗粒度粗粝、认知门槛低下的内容以更高的可见性。这种“强刺激、弱逻辑”的内容因其优异的数据表现(如高完播、高互动)，在算法黑箱中获得了正反馈循环。当这一信号回传至创作上游，便诱发了文本生成的逆向适配：叙事不再服务于审美表达，而是服务于留存率；节奏不再遵循情感逻辑，而是遵循“黄金三秒”法则。

微短剧的爆发性增长，正是这种算法美学的极端样本。通过高频反转与情绪瞬间的密集释放，微短剧将叙事切割为符合碎片化消费的原子单位，其目的是在指尖滑动的瞬间捕获多巴胺。这种“短平快”的叙事策略，本质上是对传统戏剧张力中铺陈与延宕环节的系统性剥离。同理，各类影视切片与解说的泛滥，更是将完整的影像艺术通过降维打击，还原为单纯的信息梗概，作品的整体性在传播链条中被彻底肢解。

这种技术环境的长期浸淫，正在潜移默化地重构受众的感知结构。观众逐渐被驯化为“高阈值、低耐性”的接受者，对即时满足产生依赖；而那些需要延时满足、依靠长时段叙事积累情感厚度的深沉作品，则往往因为无法在“前三秒”抓住眼球而被算法无情抛弃。这与其说是观众审美能力的退化，不如说是媒介环境对感知方式的一种暴力重塑——在加速主义的观看节奏中，时间的沉淀本身变成了一种难以跨越的传播门槛。

(三)“数据拜物教”与饭圈文化的圈层溢出

在泛娱乐产业中，弥漫着一种“数据拜物教”的氛围。这种逻辑不仅统治了偶像工业，而且正逐渐向文艺评论、图书出版等严肃文化领域渗透，形成了所谓的粉丝文化“圈层溢出”效应。

在这一逻辑下，文艺批评遭遇了前所未有的挑战。评价体系不再基于客观的审美标准，而是受制于粉丝群体的组织化行动。对于涉及特定流量明星的作品，粉丝群体往往通过有组织的“控评”“打投”与“反黑”行动，在短时间内制造出海量的虚假好评，以此淹没理性的批评声音。任何对作品质量的客观探讨，都可能被标签化为“恶意攻击”而遭到网络围攻。这种由粉丝控评制造的单向度舆论场，在传播学上制造了“沉默的螺旋”效应。普通观众或专业影评人面对铺天盖地的控评数据，往往会产生自我怀疑或因恐惧网络暴力而选择噤声。结果是，公共舆论空间中关于艺术质量的真实讨论迅速萎缩，取而代之的是一种机械重复的、由数据堆砌而成的虚假共识。这不仅让真正优质的作品难以突围，也让劣质作品长期占据市场资源。

这种非理性的舆论环境导致了专业批评的失语与普通受众的认知迷茫。当批评失去了独立性，赞美也就失去了参考价值。创作者在数据构筑的虚假繁荣中难以接收到真实的反馈，文艺创作最重要的自我纠错机制因此失效。

(四)资本逻辑下的数据造假与“劣币驱逐良币”

“爆款”焦虑的根源，很大程度上源于资本对确定性的过度追求。在对赌协议与业绩指标的压力下，“做数据”已成为行业内心照不宣的潜规则，这本质上是一种金融资本逻辑对文艺创作规律的扭曲。为了制造产品热销或剧集爆火的假象，部分制作方利用技术手段刷高点击量、热搜排名与弹幕互动数。这种操作构建了一种严重的“信息不对称”：劣质内容的播放数据往往违反常识地飙升，误导了观众的选择，也挤占了公共传播资源。

这种数据造假游戏很大程度上并非为了欺骗C端观众，而是为了通过B端(平台方与广告主)的考核。在当下的分账模式与广告投放体系中，“完播率”“热度值”直接挂钩收益。这种以流量为唯一结算货币的商业模式，实际上是默许甚至鼓励了造假行为。当制作方、宣发方乃至平台方都成为这一利益链条上的共谋者时，数据的真实性便成了最先被牺牲的代价。长此以往，市场便陷入了“劣币驱逐良币”的恶性循环。那些坚持内容品质但缺乏营销预算的优秀作品，在算法推荐机制中处于劣势，难以触达核心受众；而依靠数据注水的平庸之作却占据了主流视野。这不仅损害了行业的公信力，更导致了整个文艺生态的价值空心化。

三、从流量导向到品质取向：创作与评价的再思考

关于流量的业内话语，近年来出现了一个值得注意的转向：大家探讨的重心，正从单纯关心“如何制造热度”，慢慢转向追问“热度之后，究竟留下了什么”。在平台规则日趋固化、信息扩散速率惊人的当下，流量固然关键，但其性质更像一个“瞬时脉冲”——它主要标识着内容是否获得了被注意的初始机会，却难以凭一己之力去界定内容的深层价值。唯有将流量置入完整的传播链条中来审视，我们才能避免将“曝光量”简单等同于“作品质量”，从而为内容的长期培育与品牌积淀，保留必要的战略纵深。

(一)创作观的重塑：回归“慢工出细活”的艺术家持守与工匠精神

回顾近年引发广泛且持久讨论的佳作，一个共同点在于它们不约而同地选择了“慢”下来的创作节奏。这些作品没有盲目追求“速成”，而是在剧本雕琢、结构搭建和表演锤炼等环节，给予了时间足够的尊重。以《漫长的季节》为例，它之所以备受赞誉，与其充裕的制作周期密不可分。充足的剧本打磨与拍摄时间，让叙事的呼吸感、画面的肌理以及人物关系的微妙变化，都有了从容展开的空间。这种不惜工本的“慢创作”，在崇尚“短平快”的行业大环境下并非主流，但它从根本上决定了作品最终的完成度与可供反复咀嚼的余味。

电视剧《漫长的季节》海报

《狂飙》引发的社会性讨论，也揭示了类似的逻辑。观众的热情之所以能延伸到剧集之外并持续发酵，不仅仅因为它是一部合格的类型剧，更因为它成功地将普遍的社会经验与人性观察，编织进了故事的脉络里。剧中人物关系的演进、矛盾冲突的根源乃至日常生活的质感，都让观众感受到强烈的现实关联与心理共鸣。由此激发的讨论，自然会突破剧情本身的框架，深入对社会现实与人性幽微之处的集体辨析之中，从而具备更强的续航能力。

由此可见，数据工具固然能为创作提供有价值的参考，比如揭示观众的情绪燃点、追踪内容的传播路径。然而，在至关重要的创作抉择面前，数据的角色更应接近于“参考路标”，而非“驾驶舵轮”。一部作品若想真正站稳脚跟，在文学史上留下印迹，其根基仍在于创作者是否具备从庞杂现实中提炼精华的洞察力，以及是否愿意为了作品的灵韵与表达的唯一而不惜付出全心的、漫长的甚至生命的努力。那些能够精准捕捉时代脉搏、诚恳承载复杂情感世界的作品，往往也更能抵御流量世界短促的潮起潮落，赢得更为悠长的艺术生命。

(二)评价体系的延展：多维度视角的引入

要根治“唯流量”顽疾，必须从指挥棒即评价体系入手进行结构性改革。单一的流量指标不仅容易被技术造假手段攻破，更无法真实反映作品的文化价值。

我们需要建立一个包含艺术水准、社会口碑、长尾效应等多维度的“绿色GDP”评价模型。一方面，行业协会与平台方应联手打击数据造假产业链，通过技术手段剔除无效点击与机器人刷量，让“脱水”后的真实数据成为衡量作品的标准之一。另一方面，要重建专业文艺批评的公信力。批评家应保持相对于资本的独立性，不被粉丝舆论裹挟，敢于进行学理性的严肃批评。只有当市场上存在客观、理性的评论声音，才能引导观众审美升级，从而倒逼上游创作环节的质量提升。我们要反对的是“流量至上主义”，而非流量本身。在媒介融合时代，流量应当被视为一种高效的传播介质，而非作品的终极追求。

近几年，“新大众文艺”的发展为理解技术与文化生产之间的关系提供了可供观察的现实样本。网络文学、微短剧等形态，在经历以数量扩张和快速传播为特征的发展阶段之后，逐渐显露出调整方向。一部分创作开始放缓节奏，更加重视文本结构与表达完成度，内容形态也随之发生变化。数据工具在其中展现出不同于早期印象的功能取向。通过平台分发机制，一些原本处于传播边缘的文化内容获得了进入公共视野的机会。传统戏曲、相对冷门的非遗项目，以及严肃文学经典，通过短视频平台被重新观看和讨论，其传播效果主要依赖内容本身的文化密度与审美特征，而非外在包装。当技术手段承担的是连接与引介的角色，受众的注意力便更容易在理解和认同中持续积累。由此形成的观看关系，往往建立在兴趣延展和情感投入之上，而不是瞬时点击带来的短期热度。这类经验，为理解“留量”的形成机制提供了具体参照。

四、技术与人文的融合共生：构建数字人文新生态

在当下的创作生态里，技术不再仅仅是一个外部变量，而已内化为创作本身的底层逻辑。与其说它是一个具体的议题，不如说是一种介质：隐身于算法推荐、工业化流程与流媒体节奏之中，无声地规训着作品的生成方式。创作者的每一次决策，本质上都是在与这些隐形规则博弈：作品不仅要被“创作”，更要适应被算法分发、被碎片化消费。在这个同质化的传播场域里，作品的野心不再是“被看见”，而是如何在特定的操作路径中精准抵达受众。

这种“技术本体化”的趋势在影视领域尤为显著。当下的影视工业已不再满足于将特效作为后期点缀，而是将其前置为叙事的骨架。以《流浪地球》系列为例，视效技术并非为了炫技而存在，它直接定义了世界观的物理规则，甚至反向推导了情节的走向。在这里，影像技术与剧作结构不再是皮与毛的关系，而是互为骨血：技术解决了叙事难题，而叙事赋予了技术以灵魂，二者共同构建了那个宏大而连贯的虚构世界。

电影《流浪地球2》剧照

同样，大数据在文艺生产中的运用，也需要回到文化创造本身来加以审视。如果仅将其理解为市场反馈的放大器，容易导致内容生产趋于短期化和同质化。但从更长远的文化视角出发，大数据所揭示的，恰恰是受众结构内部的差异与分布状态。依据长尾理论，大众审美并不存在单一中心，而是呈现出明显的层级与分众特征。除去被频繁满足的主流需求之外，还有相当数量的受众长期处于“低可见度”状态，他们对重复叙事和模式化内容逐渐失去兴趣，却对更具思想深度和审美探索性的作品抱有期待。

在这一层面上，数据分析为创作者提供了一种观察路径，使那些不易被直观感知的需求逐渐浮现出来。对于具有成熟创作经验的文艺工作者而言，数据的意义主要体现在对文化氛围与审美趋向的研判上，而真正决定作品价值的，仍然是创作者自身的艺术判断和价值选择。通过专业化的艺术表达回应这些潜在需求，既能够拓展文艺作品的社会影响力，也有助于在市场逻辑与审美追求之间建立更为稳固的平衡关系，从而推动具有文化高度的作品持续生成。

在媒介融合的趋势下，文学、影视、游戏等艺术门类的边界日益消融，跨媒介叙事成为常态。但在推动IP全产业链开发的过程中，必须警惕无底线的“魔改”。跨媒介改编的核心在于“融通”而非简单的“嫁接”。每种艺术形式都有其独特的本体规律——文学侧重语言的想象空间，影视侧重视听的具象冲击。成功的改编应当是在尊重原著精神内核基础上的再创造，而非对原著IP的掠夺性开发。我们鼓励传统艺术进行数字化创新，通过虚拟现实(VR)、增强现实(AR)等技术增强沉浸感，但这种创新不能消解传统艺术独特的文化韵味。只有相互尊重、优势互补，才能实现不同艺术门类之间的价值增值。

归根结底，文艺的源头是人民的社会生活实践，其目的是满足人民日益增长的精神文化需求。无论是传统的精英创作，还是新兴的网络文艺，都应致力于重建文艺的“公共性”。在算法构建的信息茧房之外，我们需要构建人与人之间真实的情感共鸣。这意味着创作者要走出“数据看板”，去拥抱广阔的现实变革；意味着平台方要超越单纯的商业逻辑，承担起文化传播平台的社会责任。我们要利用数字技术打破阶层固化与传播壁垒，让优质的文化资源惠及更广泛的群体，实现马克思所言的“人的感觉的全面解放”。

身处流量喧嚣的时代，文艺工作者面临着复杂的考验。是甘于沦为算法的附庸，生产快速迭代的文化快餐，制造虚假的数据繁荣？还是立志成为时代的记录者，以深沉的文化定力和艺术匠心，书写能够经得起时间检验的篇章？答案不言自明。

“爆款”或许带来一时的商业红利，但唯有艺术的真诚与品质，才是穿越市场周期、抵达人心的根本力量。我们期待文艺战线能够少一点急功近利，多一点从容淡定；少一点套路拼凑，多一点原创精神。愿每一位文艺工作者都能在数字化的浪潮中，坚守人文精神的底色，以高质量的创作回应时代的召唤，共同构建一个风清气正、生机勃勃的数字人文新生态。人类艺术中，总有一种永恒的、无可磨灭的精神、意义和灵韵与史长存。

*文中海报、剧照来源于豆瓣网

作者：金元浦 单位：中国人民大学文学院

《中国文艺评论》2026年第4期（总第127期）

责任编辑：艾超南

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